文艺复兴时期：艺术的繁荣发展
一提到文艺复兴时期的艺术，哪怕对西方艺术一知半解的人，都能说出达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、提香等艺术巨匠，以及《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《大卫》、《西斯廷圣母》等传世艺术名作。在一般大众心目中，文艺复兴时期的艺术一度几乎成了西方艺术的代名词。
但要对文艺复兴时期的艺术有一个较全面和客观的把握，最好不要仅仅局限于那些耳熟能详的传世名作，而应将这一时期的艺术置于时代的社会和文化情景中，尤其是要考察它们究竟是“为何”以及“如何”产生的。
首先是广泛和多样化的艺术需求。文艺复兴时期，城市社会世俗生活的发达造就了广泛和多样化的艺术需求，使艺术品无论数量和种类都远远超过中世纪。
其次，艺术需求通过艺术赞助来满足。文艺复兴时期是艺术赞助的时代，几乎所有重要艺术品都是订制的。赞助人并非单纯的出资者，不只关心价格、人手、完成时间等问题，也关注艺术品的风格、题材、内容、布局等，他们在很大程度上影响甚至决定着艺术品的最终面貌。
再次，文艺复兴艺术的发展亦得益于发达的手工艺传统。文艺复兴艺术发端于手工业发达的佛罗伦萨并非偶然。在文艺复兴时期，艺术家都是在手工艺作坊中成长起来的。
最后，除了各门艺术的相互交融，文艺复兴时期，艺术还开始借助其他学科知识以获得创新和发展。15世纪的艺术家开始研究数学、几何光学、解剖学等知识，对文艺复兴艺术家来说既是挑战，也是艺术家社会地位和形象逐渐发生转变的契机。
文艺复兴初期艺术家波提切利
波提切利运用十五世纪新的绘画方法，发展了中世纪的装饰风格，创造出富于线条节奏，精致明净的独特画风。作品有《春》、《维纳斯的诞生》等。
波提切利受当时富有的梅迪奇家族之一的成员洛伦佐·美弟奇之托，为他的乡村别墅绘制了《维纳斯的诞生》这幅名画。画中，维纳斯站在一只贝壳上，从海中升起，飘飞在一阵洒落的玫瑰花中的风神，将贝壳吹拂到岸上。四季女神展开了一件紫色斗篷，迎接正要上岸的维纳斯。
文艺复兴三杰：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔
达芬奇的《最后的晚餐》
达芬奇完成这件作品之前，修道院院长频频到场催促。达芬奇解释说，像他这样的一些“天才”，有时看似清闲，实际上正忙得很，因为他需要“冥思苦想，完善各种构思”，然后动手实现。达芬奇说，除非天上赐他灵感，否则，很难完成耶稣的头像，而对犹大这种卑鄙的叛卖者，物色合适的头像同样需要时日。由此可见达芬奇对这幅壁画的人物心理变化之掌握极为传神而复杂。
达芬奇名作《蒙娜丽莎》
《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。
画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
米开朗基罗：人类艺术史上一座高峰
米开朗基罗，这是一个让人充满敬畏的名字。他是人类艺术史上的一座高峰，令人仰视。作为文艺复兴时期的巨匠，他以超越时空的宏伟大作，在生前和身后都形成了无与伦比的巨大影响。五个多世纪来，人们怀着朝圣般的心情欣赏他的不朽杰作，并被他的盖世才华、坚强毅力和雄伟气魄所震撼。
1534年，教皇委托米开朗基罗为西斯廷礼拜堂祭坛作壁画。当时他正经历精神与信仰的危机，他选择用“最后的审判”这一主题来展现所承受的巨大痛苦。
拉斐尔笔下的圣母
拉斐尔短短的一生（只活了37年）创作了近300幅画，其中以描绘圣母的画幅占绝对优势，所以人们习惯上把拉斐尔与娇美柔顺的圣母形象联系在一起。拉斐尔一直在对古代艺术进行研究。拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。
意大利文艺复兴盛期艺术家：提香
提香打破以往绘画中的种种规定，毫无虚伪做作，表现出对世界的觉醒的、开放的观察，把油画的色彩、造型和笔触的运用推进到新的境界。他画中的女性形象尤其丰满，譬如《乌尔比诺的维纳斯》除了带来视觉上直接的诱惑外，还会传递一种感官上的快感，完全掌握女性裸体的情欲美。他的《酒神祭》（The Andrians）和《酒神和亚里亚得妮》等神话题材的作品，则洋溢着欢欣的情调和旺盛的生命力。
提香的《酒神巴克斯与阿里阿德涅》
大师提香的《酒神巴克斯与阿里阿德涅》讲述的便是希腊神话中酒神巴克斯与克里特岛公主阿里阿德涅一见钟情的故事。
提香的《乌尔比诺的维纳斯》
《乌尔比诺的维纳斯》这幅作品表现出提香细腻描绘的功力与创新构图。画面前方横躺着一位身体匀称的裸体美女。
北部文艺复兴的代表人物：丢勒
丢勒是北欧艺术的宗师，也是第一位到意大利学画的德国画家。他的作品中以版画最具影响力，尤其是木刻版画和铜板画最为出色。
十五世纪前后，欧洲艺术的中心还在意大利，文艺复兴的巨大成就使丢勒充满了憧憬与向往，因此他不惜长途跋涉，三次翻越阿尔卑斯山，向意大利的艺术大师学习，研究文艺复兴的构图、透视的技巧。随后，他将意大利文艺复兴的形式与理论传播到欧洲北部，并且成功的将文艺复兴的理念与哥德式的个人主义风格相结合。丢勒在三次到意大利途中，一丝不苟地将许多风景和生物的神态记录下来，他也可能是西方绘画史上第一位对大自然做直接写生的画家。
当时日耳曼地区从东方传入印刷术，然后很快地发展成精密的版画技术。丢勒在这种环境之下成为一位很出色的木刻版画和铜板画家。
丢勒的《亚当和夏娃》
画中的亚当与夏娃，是德国绘画史上第一次用和自然人体大小相同比例所绘制的裸体画。
亚当与夏娃在这幅画中的形体是纤细、苗条的，轮廓线条柔和。其中亚当是以一种稍微倾斜的方式来构图的，他的身体重心落在左腿上，右脚轻轻地抬起，右手微微向后摆，以平衡身体的重心。波浪式的头发、憩静的表情、像想要说话的半开半闭的嘴等等，他的姿势，就像一个舞蹈姿势那般的优美。然而温柔甜蜜的夏娃，微微倾身，好像要更仔细地倾听伴侣的声音一样，她迈出了一只脚，给人动感的印象。